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北京文化論壇“文藝精品與媒介傳播”圓桌對話現場（圖片由會議主辦方提供）

9月15日下午，北京文化論壇“以文化人：文藝價值與社會生活”平行論壇迎來圓桌對話環節。其中第三場對話交流圍繞“文藝精品與媒介傳播”展開，北京電視藝術家協會副主席、愛奇藝創始人、愛奇藝首席執行官龔宇，北京歌華影視股份有限公司藝術總監、國家一級導演張永新，中國電影家協會副主席、北京電影家協會副主席、演員吳京，編劇何冀平四位嘉賓參與討論。本場對話由中國電影家協會副主席、中國文藝評論家協會副主席、清華大學教授尹鴻主持。

凡作傳世之文者，必先有傳世之心。文藝創作從“高原”邁向“高峰”，離不開精品意識。在四位嘉賓眼中，何謂精品？在吳京看來，電影要成為精品，是一個系統工程。拍攝《巨齒鯊2》時，疫情期間吳京曾帶著團隊前往華納片場，同好萊塢優秀電影人進行了一次深入交流，交流過程中他發現，中外電影人有一點是共同的，那就是要真的愛拍電影，“不愛這一行是沒有辦法長久生存的”。這一系統工程又包括了文化發展理念、政策、投資環境、工業生產環節、觀眾審美趣味等等，這些都會對電影創作產生巨大影響。吳京認為，很多是創作者無從把握的，但是要把可以把握的做好，比如體驗生活、創新視聽語言、培養新的人才團隊等等。

“寫不寫得了是技巧，寫不寫得好是心。”何冀平現場談到，出精品是編劇一生想要達到的目標。有些故事能夠流傳百年，關鍵還在于人物塑造得好。寫精品、出精品，關鍵在塑造人物。但遺憾的是，許多作家、編劇的筆在寫人物時往往就停住了，因為某種意義上，寫人物是自己為難自己。此外，何冀平認為，精品不應該是沉淪的，而應洋溢著發光的人文精神，這種人文精神，是作家、編劇給予角色的價值和尊嚴。筆下的人物故事，應當能夠引發觀眾共鳴，這樣的價值才是有生命力的，這也是何冀平在創作每部作品時對自己的要求。

如何產生精品？龔宇以愛奇藝為例談到以下四點：第一點是遵循平臺定位，“青春陽光正能量，向上向善不迎合”。第二點是尊重藝術家。在愛奇藝有幾十個工作室，制片人的主要職責是組織藝術家進行創作，而不是自己創作。精品的源泉和動力來自于藝術家。藝術家以感性為主導，這對藝術創作而言有很大價值，但是在創作中可能會有些自我，我們強調給藝術家足夠空間，并在財務方面要有足夠承受風險的能力去鼓勵創新。同時，也要避免過度宣揚大數據分析、數據挖掘等，真正做到“幫忙不添亂”，我們會把市場信息量化給創作者，但不強求干涉創作。第三點是用技術手段加速中國影視工業化進程。技術手段能夠讓財務風險降到最低，讓流程中的控制更有預見性、更透明。第四點是工匠精神，因為過去二三十年互聯網蓬勃發展，在初期階段難免會有短視行為，但是藝術創作這件事急不得，我們強調“一慢兩快”：“一慢”是指開機前一定要慢；“兩快”是指一切準備充分之后，殺青要快，要把劇本和其他相關設想真正落地，第二個快就是上線要快。但是，一切的快都來源于前面的慢。充分的準備、精雕細琢，才有產生精品的可能。

張永新回憶起當初拍攝《覺醒年代》的經歷，動情地說道：“一部戲用不用心最終結果是天差地別。各個主創工種都應當眾志成城朝著思想精深、藝術精湛、制作精良這一方向進發。”當時與《覺醒年代》同期在橫店拍攝的劇組有86個，《覺醒年代》劇組精細到在現場擺放道具時，也要強調一個碗、一盞燈的美學格調，這在別的組中并不多見。“我們的工作人員被其他劇組的人笑道：不就是拍戲嗎，一個杯子還講什么美學啊？”張永新聽說后告訴工作人員，“我們看誰笑到最后”。張永新和主創團隊說的最多的話是：你想這個作品得到什么結果？在他看來，如果觀眾看完一部劇，愿意停一停、想一想，那這部作品才能夠算得上精品之作。

在場嘉賓還結合自身工作特點，為行業尋求更新突破建言獻策。

吳京參與了諸如《戰狼》《流浪地球2》等多個頭部電影的拍攝。在建設電影強國的新征程中，中國電影人要怎么做？他觀察到，中國電影市場的差異化表現實現了檔期內共贏。例如在剛剛結束的暑期檔中，年輕導演對現實題材、社會熱點的關注，展現中華優秀傳統文化的動畫片、神話片，以及宏大敘事與以小博大影片的共存等，共同助推了今年暑期檔的繁榮景象。這些影片能夠受到觀眾的喜愛與認可，并形成諸多小型分化市場，關鍵還在于高質量。吳京認為，這些作品也將激勵他不斷更新自己的創作理念，同時將大家的成功經驗運用到他最擅長的動作電影中去。

歷史題材如何找到同當代觀眾的心靈共鳴？何冀平感到，過去和現在互為參照，要用與時俱進的觀念去看待歷史。“寫歷史劇不是寫歷史，劇作家的任務是要把握歷史精神，但不必被歷史的事實所束縛。劇作家有其創作自由，可以對既往事實加以新的闡釋和轉化，從而把真實的古代精神翻譯到現代。把作者的希望和暢想寫進去，歷史劇創作才會實現真正的飛躍。”

以《山海情》《覺醒年代》《功勛》等為代表，越來越多的主旋律題材作品實現了同觀眾的“雙向奔赴”：創作者努力提升劇作品質，年輕觀眾追劇熱捧。這類作品在傳播上破了圈、在創作上有突破。普遍性的啟示意義在哪里？張永新現場分享了他的創作經驗。“主旋律題材創作者要清楚地知道當下年輕觀眾的所思所想。此外，一部戲無論是什么題材、講述什么故事，最后還要落在對鮮活人物的塑造上。如果劇中人物面孔模糊、似曾相識，觀眾很有可能會棄劇。”張永新在創作《覺醒年代》時，堅持要讓觀眾看到活生生的人。

最近一段時間，各個平臺都在以不同方式、在不同場合表達“長期主義”的理念，互聯網行業對未來影視創作趨勢的理解又是怎樣的呢？龔宇認為，網絡視聽進入一個全新階段，事實上這一階段早在疫情前就開始了，但是疫情的沖擊讓大家逐漸形成一個共識：跑馬圈地的時代已經過去了。“那個時候過于依賴投資、大IP和流量演員，缺乏可持續發展的眼光。現在行業產生很多共識：作品‘由古轉新’，過往古裝劇的較大投入與創作人才慢慢轉向現實題材；表達‘從天轉地’，故事從懸浮落地，變得更加接地氣；形式‘由長變短’，一方面是劇集‘注水’的情況少了，劇集集數普遍縮短了，另一方面是由于生活節奏加快，品質短劇集中涌現”。他堅信，伴隨著行業與平臺的共同成長，影視創作將在高質量發展的道路上穩步前行。