王鏞發言：

（中國藝術研究院、《中國書畫家》雜志總編輯）

　　顏慧女士給我介紹邵璞之后，我這幾天在網上搜索了一下，除了邵大箴、尚輝，寫的評論，還有邵璞的一些自述，剛才又看了他的一些詩和焦墨山水作品，我覺得邵璞的焦墨山水或者焦墨藝術很有特色，很有個性。我這幾年一直在提藝術要有現代性，強化個性、簡化形式，有人贊成，有人反對，往往反對的就認為簡化形式就是簡單。其實并非如此，我的意思簡化形式是單純，而且是一種豐富的單純，我覺得邵璞的焦墨藝術就是一種豐富的單純，一種豐富而單純的筆墨語言。

　　我注意到他的詩歌，剛才看了看他早期寫的一些詩歌，“少小情懷總是詩”，他是從一個詩人的角度來切入繪畫的，包括他早期彩墨山水，后來逐漸過渡到焦墨山水，但是詩的味道始終是很濃厚的。尚輝的文章也提到，強調他的詩意、詩性的表現。我覺得現在的山水畫也好，中國畫也好，一個很嚴重的問題是詩意缺失。因為中國的傳統文化它本來就是一個詩性文化，可是現在傳統文化流失了，而且無可挽回地流失了，甚至是大面積的滑坡，我們現在的文學藝術都在滑坡。我覺得最主要的流失就是詩性的流失，沒有多少人讀詩寫詩。包括我們繪畫，強調的是筆墨，很少強調詩意，認為詩意是過時的農業社會的東西，實際上不是。張仃先生講守住中國畫的底線是筆墨，如果筆墨是中國畫的底線，詩意就是中國畫的底蘊。如果中國畫沒有了詩意，從內里抽空了中國畫的底蘊，這就是我們當代的中國畫創作之所以品位不高的一個重要原因。

　　邵璞是從詩走進畫的，不光是以書入畫，還運用了書法的元素，運用在他的焦墨創作當中，更是以詩入畫。我們古代有書畫一體的傳統，但是同時也有詩畫一體的傳統，如果說邵璞早期的詩，《周末我們去了女生宿舍》還比較清晰，他后來的一些詩《偶遇》就比較朦朧，為什么入選朦朧詩選呢？是從清晰走到朦朧，這是那一代青年詩人的共同追求。他的畫也是從清晰走向朦朧。如果工筆畫好比格律詩，寫意畫就好比自由詩。邵璞的焦墨山水就屬于自由詩或者水墨朦朧詩，焦墨朦朧詩，不是特別清晰的，和張仃的焦墨山水從寫生入手還不太一樣。

　　我看到一些文章，說邵璞用焦墨提純詩意，我覺得從另一方面來講他應該是用詩意提純焦墨，焦墨和詩意，筆墨和詩意是互動的，如果沒有詩意做底蘊的話，焦墨必定是膚淺的。《一代名畫》里講墨分五色，但是追求的終極目標是意象，是要寫意的。所以，我同意孫克先生的，邵璞的焦墨山水是寫意的，而且是寫詩意的，并且寫的是朦朧詩。因為尚輝分析的特具體，枯和潤，剛和柔，淡和蒼，這些都是具體的技法的分析，特別的精確。我看他的焦墨山水，感到他的作品在筆墨上非常的有節奏感，或者說有韻律感，這可能是來源于他的詩歌修養，因為我主要研究印度美術，有一個印度詩人泰戈爾，泰戈爾沒受過系統的繪畫訓練，但是他晚年創作了大量的繪畫，而且越來越受到世界各國學者的高度評價。    泰戈爾有一個理論，他說我的畫用線條畫出的韻律，這個韻律是一種宇宙生命的神秘節奏，這是從印度的傳統哲學過來的，強調韻律感，我雖然沒受過繪畫的訓練，但是我受過韻律的訓練，詩歌的韻律，思維的韻律的訓練。我覺得邵璞的焦墨山水的韻律感特別強，節奏感特別強，無論是筆墨的輕重虛實，這個感覺都是很強烈的，整體看來又非常的空靈。所以，我覺得讀了他的作品和我們現在在市場上看到的千篇一律的水墨畫不一樣的，他是有深厚的詩性的味道。

　　另外有一點，我可能和有的評論家的意見不太一致，有的評論家認為邵璞的作品純粹寫心的，不是寫生的，不寫生反而更好，我覺得這并不矛盾。邵璞自己有時候也困惑到底是對景寫生還是寫意，張仃確實是偏重于對景寫生，剛才談到穆家善他們基本上都是隨心寫意，邵璞現在基本上也是隨心寫意，我覺得寫生也不必放棄，因為寫生最大的優點就是可以讓你深入自然，不一定像攝影師描摹自然，可以妙造自然。經常深入山水寫生可以避免概念化、程式化。我們畫樹，強調四面出枝，如果你這個樹不是從寫生過來的，是臨摹過來的或者從自己心里想象出來的樹必然是概念化、程式化的，缺少生氣，境界是可以隨意的構造，但是有些基本的東西，吸收一些自然的生命的東西，可能會使畫面更豐富，筆墨也變化的更多樣，避免雷同，包括跟自己的作品雷同。如果完全是自己用自己創造的一套程式化筆墨來畫，一張兩張可以，十張八張也可以，要千篇一律就不好了。所以，應該把寫生和寫意結合起來，包括齊白石也講要寫意而后寫生，寫生而后復寫意方能形成意象，他就是強調寫生和寫意一個辯證統一的關系。

　　此外，我覺得邵璞的焦墨山水在整體感上還可以更完善或者加強一下，整個畫面的虛實關系不要太碎，可以更完整一些，更單純一些，結構上也可以更有利一些，這樣的話他的焦墨山水可以提升到一個更高的境界，從觀賞的角度來講，也會更具有視覺的美感。我希望通過這次研討會之后，邵璞先生焦墨藝術能夠取得更大的成就。